Pacompartir

Echad un vistazo a este vídeo de Miguel Endara

2011-12-13T23:29:00.002+01:00

Tiene su punto, ¿verda?

Dominique Falla, tipografía táctil

2011-10-28T00:37:00.006+02:00

Dominique Falla es un diseñador / artista que trabaja en una variedad de medios táctiles y combina la creación digital con salida analógica para la exposición y publicación. Actualmente está trabajando en una serie de piezas de tipografía táctil.

La Gráfica del 15-M

2011-10-28T00:13:00.001+02:00

Open publication - Free publishing - More design

Amalia Pica

2011-04-06T23:10:00.004+02:00

Un ejemplo de sutileza y elegancia en el uso del color.

Entrevista a Antonio López

2011-01-25T13:16:00.006+01:00

Siempre es bienvenido a este espacio Antonio López y mucho más escucharlo, pinchando aquí podréis escuchar una entrevista que le han realizado en Hoyesarte.

Una pajarita muy pacífica

2010-06-17T22:19:00.005+02:00

Esta "pajarita", que simboliza una paloma de la paz (muy colorista) ha sido realizada por los alumnos del centro del I.E.S. Lacimurga Constantia Iulia de Navalvillar de Pela. Son unos "Peazo de Artistas".

Alicia en el Páis de las Maravillas por Atomic Antelope

2010-05-02T17:12:00.005+02:00

Atómica Antelope es un estudio de diseño de software. Ellos han diseñado esta estupenda aplicación.

Entrevista a Anish Kapoor en el diario "Público"

2010-03-13T22:01:00.005+01:00

"La oscuridad del rojo me intriga"

El Guggenheim de Bilbao dedica una retrospectiva al artista indio, uno de los escultores más influyentes en la actualidad

Los escultores suelen entablar un diálogo entre sus obras y el espacio en el que las ubican. Anish Kapoor (Bombay, 1954), en lugar de dialogar, conquista el espacio con sus producciones. Lo ha demostrado antes, y lo demuestra ahora en el museo Guggenheim de Bilbao con la exposición monográfica que se abre el 16 de marzo, procedente de la Royal Academy de Londres. En su estudio de Peckham, un barrio del sureste de la capital británica, enseña las piezas de la muestra a la que él se resiste llamar retrospectiva, porque le parece el epitafio de su carrera, que él no da por finalizada.

El artista lo llama "el estudio", aunque es, más bien, una serie de cinco naves industriales conectadas entre sí, por el exterior y el interior, con una veintena de empleados, vestidos con un mono blanco, que trabajan al son de la batuta de uno de los escultores más influyentes de su generación. "Aquí experimentamos con materiales, superficies, hacemos formas y texturas sin saber cuál será el resultado final; de todo ello emerge eso que llaman arte. Por más que lo programas y lo planificas, siempre hay algo de imprevisible que no conoces hasta el final, el efecto sorpresa es lo desconocido y lo que nos mantiene en alerta, es el reto de nuestro trabajo", explica el escultor junto a uno de los espejos cóncavos que uno de sus empleados pule y abrillanta con una máquina eléctrica. Una suerte de limpiar y dar esplendor, como si se tratara de un anuncio de detergente o lavavajillas.

La muestra reúne instalaciones monumentales hasta octubre

Balas de cera

Uno de los materiales que centra la atención de Kapoor es la cera roja. Y una de las instalaciones de la exposición, titulada Disparos en el rincón, consiste precisamente en un cañón que lanza balas de cera de color rojo contra la esquina de dos paredes en una sala. Los disparos producirán como resultado final una acumulación de cera que formará una escultura en sí misma, imprevisible al inicio de la exposición. "La forma que tomarán las balas de cera roja tras ser disparadas cambiará constantemente; es otra de las obras que se hace a sí misma. No sabemos cómo será. Ni yo mismo hubiese pensado hace unos años que haría un cañón así, pero aquí está", explica Anish, quien lleva ya tiempo trabajando con el color rojo después de haber buscado la perfección o la esencia del azul y del amarillo en fibra óptica, pigmentos y otros materiales.

"Ahora estoy en mi periodo rojo; lo que más interesa es cómo oscurece el rojo, el rojo oscuro es más oscuro que el negro; el rojo tiene una oscuridad que me intriga", dice el escultor. Tras crear sus obras, deja que crezcan solas y que se independicen.

"Mi historia personal debe reflejarse de alguna manera en mi obra"

Como ejemplos de sus trabajos previos al periodo rojo, la exposición incluirá una sala con espejos cóncavos. Esculturas de acero inoxidable de las que, según como se miren, llegan a marear y que son una de las marcas recurrentes del artista. El Sky Mirror (Espejo del cielo), instalado en el Centro Rockefeller de Nueva York, o el Cloud Gate (Puerta de la nube), en Chicago, son obras precursoras como espejos urbanos en los que se refleja la ciudad. Su límite de espacio es el cielo. Desde el Barroco hasta el artista conceptual Jeff Koons, con sus globos reflectantes pasando por los esperpénticos espejos de feria, los cristales cóncavos han sido a menudo objetos de interés artístico.

Para Kapoor, "las cualidades de estas imágenes reflectantes son muy peculiares, los espejos cóncavos proponen lo sublime, una nueva relación entre la obra y el observador; la modernidad radica en algún lugar por ahí; entre los objetos, sus formas y sus colores físicos". Anish está acostumbrado a que le busquen significados filosóficos e incluso políticos a sus obras, que él prefiere definir como materiales en busca de forma y geometría.

Pigmentos que buscan

Explora los colores y las texturas con materiales industriales

Las esculturas de pigmentos, como Arena blanca, mijo rojo, muchas flores, estarán también presentes en la muestra de Bilbao. Son obras de la historia de Kapoor así como los trabajos hechos con fibra de vidrio. Pigmentos a la búsqueda del amarillo más amarillo o el rojo vivo que no oscurece como el de la cera.

Anish Kapoor llegó a Inglaterra en 1972 tras vivir en varias partes de Asia; se formó en diferentes escuelas y empezó a destacar como escultor en la década de los ochenta. Se identifica como indio a pesar de tener pasaporte británico y un bagaje familiar diverso: es de madre iraquí de religión judía y de padre indio e hindú no religioso. "Mi historia debe reflejarse de alguna manera en mi obra, pero no hay una intención premeditada para ello", contesta. Con esposa e hijos ingleses, la diversidad cultural y religiosa continúa en su casa.

La cera no es el único material que reta ahora su imaginación. Lleva dos años trabajando con el cemento de forma muy poco artesanal, o mejor dicho, de forma mecánica. En una de las naves industriales de su estudio, una máquina y un empleado que hace programas en un ordenador, hacen también esculturas de cemento que el escultor bendice o rechaza. "El cemento de color, de momento, se me resiste así que todavía estoy explorando el cemento en su color natural, gris; el momento de la perfección en el cemento de color, ahora, lo veo muy complicado", explica Anish ante la ruidosa máquina de la que sale una especie de salchicha inacabable y enredada haciendo una montaña más o menos hueca.

"El cemento de color se me resiste, así que aún estoy explorando el gris"

No falta trabajo

En la obra Greyman grita, Shaman muere, volutas de humo, belleza evocada, el cemento parece un largo intestino, heces o, como dice él, "la alta tecnología produce baja tecnología". Las esculturas de cemento son las novedades en las últimas exposiciones de este artista. "No me falta mercado para mis trabajos aunque esta exposición [la de Bilbao] no es para vender nada", matiza el artista.

Las obras hechas con fibra de vidrio son superficies que se adentran en paredes hasta el infinito o sobresalen ambiguamente, según de dónde y cómo se observan producen un efecto distinto. La entrada al Guggenheim tendrá una ingeniosa tarjeta de visita. Una escultura de bolas apiladas hasta 50 metros de altura de acero inoxidable haciendo espejos tergiversadores de las imágenes que se reflejan en ellas, reflejando del derecho o del revés lo que pasa a su alrededor. Esta obra será el primer desafío o diálogo del artista con sus visitantes antes de conquistarlos con el resto de la muestra.

Las irregulares y enormes salas del Guggenheim de Bilbao lo animan, como le ocurrió en la Royal Academy y antes en la sala de Turbinas de la Tate Modern. En este último lugar colocó en 2002 Marsyas, tres gigantescas trompetas unidas, hechas con un producto artificial entre lona y tejido elástico haciendo referencia al sátiro de la mitología griega que fue despellejado en vida por Apolo. Aquel rojo (el de Mar-syas) era el de sangre humana. Hoy, la enorme escultura está doblada en piezas y guardada en un almacén del condado de Norfolk, al este de Inglaterra. El escultor Anish Kapoor es un artista que se adapta a todo, igual llena los mayores espacios de exposición del mundo, que hace una herida en un libro de artista, Wound, para la editorial Ivorypress.

Fuente: CONCHA RODRÍGUEZ - LONDRES - 13/03/2010 / Diario "Público".

La publicidad como medio para hacernos reflexionar sobre la realidad

2010-03-03T20:37:00.007+01:00

Esos anuncios son objeto de una exposición en París.
Fuente rtve

El IVAM dispone de un nuevo servicio de catálogos online

2010-03-02T18:28:00.005+01:00

67 publicaciones pueden ser consultadas gratuitamente en la página web del IVAM.

Las publicaciones del IVAM recogen la intensa actividad desarrollada en torno a los ejes de investigación, y difusión del arte. El objetivo último es el ciudadano, la comunicación fluida con un público cada vez más amplio, apostando claramente por las oportunidades y herramientas que nos brinda la tecnología.

Las más de quinientas publicaciones editadas por el IVAM hasta el momento son testigo de las exposiciones y acontecimientos artísticos desarrollados, pero son, sobre todo, un instrumento de trabajo, un estímulo para la reflexión crítica sobre lo que representa el arte en una sociedad multicultural en constante cambio.

Especialmente relevantes son los catálogos dedicados a difundir la colección del IVAM en sus principales ejes: la abstracción, la fotografía y el fotomontaje el pop, el dibujo, la escultura y las instalaciones y nuevos medios, Colección Julio González e Ignacio Pinazo.

Sin renunciar a la línea de ediciones impresas de calidad, el IVAM, con la firme voluntad de caminar al ritmo de nuestro tiempo, pone sus publicaciones al alcance de todos en su web, con la edición completa de cada catálogo con descarga gratuita en formato PDF por el usuario.

En este proyecto en el que confluyen investigación y difusión dentro de los objetivos generales de nuestros programas de acercamiento a los ciudadanos y la apuesta por la tecnología ofreciendo “on line” a la disposición de todos, en cualquier lugar del mundo, cincuenta publicaciones actualmente, y que irán incrementando con todas las ediciones que vayamos realizando.

Es importante resaltar que la digitalización que se ofrece mantiene el mejor nivel de calidad para la consulta y estudio, si bien la resolución de las imágenes no permitiría su eventual uso en nuevas ediciones, en estricto cumplimiento de las normas de propiedad intelectual.

Norman Rockwell

2010-02-03T15:53:00.004+01:00

Norman Rockwell un artista con humor.

Una obra maestra del estudio Prologue

2010-01-14T22:09:00.005+01:00

Prologue se sale otra vez con el diseño de los títulos de créditos de la última película de Sherlock Holmes.

Kyle McDonald

2010-01-09T15:52:00.002+01:00

Clouds Are Looming from Kyle McDonald on Vimeo.

Kyle McDonald, magistral.

Paolo Lim

2010-01-07T01:07:00.005+01:00

Aquí os dejo esto del ilustrador Paolo Lim para que lo disfrutéis.

Amador Delgado

2009-12-09T17:22:00.005+01:00

Admiración, asombro, pasmo, prodigio, fascinación, preciosidad, portento... y me quedo corto.

La tecnología de un software reinventa el Reina Sofía

2009-11-14T12:38:00.002+01:00

El Museo Reina Sofía de Madrid quiere ser un espacio cultural para todos los formatos artísticos. Y si no vean la propuesta que se ha inaugurado este viernes.
Fuente rtve.

Greguerias ilustradas por el fotógrafo Chema Madoz

2009-11-14T12:30:00.004+01:00

Nunca es tarde, si la sopa es buena. Vivir es amanecer. Los globos de los niños van por la calle muertos de miedo... Con esa filosofía y esa ironía Ramón Gómez de la Serna nos dejó cientos de sus Greguerías. Pero resulta que no las conocíamos todas. Ahora se han descubierto cuatrocientas más, que podemos leer en un libro ilustrado por el fotógrafo de las metáforas, Chema Madoz.
Fuente rtve.

La geometriá oculta en las letras

2009-11-11T18:28:00.004+01:00

Aquí podemos apreciar la geometría oculta en la caligrafía. La geometría puede ser bella.

Gaia 09, un proyecto comunitario para aumentar la sensibilización sobre el cambio climático

2009-11-09T22:44:00.006+01:00

Aquí tenéis el enlace a Gaia 09 una página en la que podéis customizar vuestro ordenador.

Manuel Franquelo

2009-09-27T17:35:00.003+02:00

Simplemente genial.

Tipografía + Geometría =

2009-09-25T18:35:00.004+02:00

El estudio "estudiosport" consigue con simple geometría una tipografía de bellos resultados.

Un mundo de papel

2009-09-21T20:36:00.002+02:00

SCRIBE MUNDO DE PAPEL from ladies on Vimeo.

El anuncio promociona la marca de libretas Scribe, y en él podemos ver cómo es un día cualquiera del protagonista, donde su casa, su cama, su cafetera, su ropa… su mundo entero está hecho de papel.

Para su realización, los muchachos de CRU DE LADIES usaron Nuke, After effects, 3dmax, Photoshop MacOS y windows. Tardaron solo dos semanas en tenerlo listo, y el resultado es asombroso.

Si quieres saber más de estos creativos, visita su web personal www.crudeladies.com.

Fuente movistar.

Geometía y Belleza

2009-09-02T23:42:00.005+02:00

(pulsa sobre la imagen para ver vídeo)

Este proyecto de Deffeto demuestra que Geometría y Belleza no están reñidas, con música de Jan Jelinek.

GabrielMoreno

2009-07-01T19:39:00.004+02:00

Echadle un vistazo al trabajo de este ilustrador.

Hypnoctic

2009-06-22T18:44:00.002+02:00

Sin palabras...

David Löhr

2009-06-20T11:01:00.006+02:00

Visitad esta página diseñada por David Löhr, es genial.

Ron van der Ende

2009-06-20T10:49:00.006+02:00

Ron van der Ende juega con el espacio, nos hace confundir bidimensional y tridimensional.

Parque temático de la confusión Las propuestas más interesantes y los notables esperpentos de la Bienal de Venecia

2009-06-07T15:48:00.003+02:00

Si las bienales de arte siempre buscaron deslumbrar, fue el pabellón principal de la pasada cita de São Paulo (que mostró un vacío absoluto) el bautismo del arte más rompedor como medio para explicar el mundo en que vivimos. La 53ª edición de la Bienal de Venecia -que ayer amaneció con la plaza de San Marcos anegada- arranca tras días de mostrarse a periodistas y otros elegidos (hoy se abre al público) con la intención de rescatar el espíritu primigenio de una celebración del arte contemporáneo como ésta. Participan artistas de 77 países y, fuera del circuito oficial, hay más de 40 eventos de primer orden, que este año han sido unas de las grandes atracciones. Propuestas interesantes y notables esperpentos. Sea como sea, el interés por la clase de arte que provoca (sensaciones, emociones, asombro o un monumental cabreo) sigue más vivo que nunca. Pero también hay sitio para el arte profundo, como así lo han atestiguado estos días las larguísimas colas que desbordaban los pabellones de EE UU, Gran Bretaña, Holanda y Polonia.

Media hora antes de la apertura (a las 10.00) del recinto de los Giardini, lugar de los pabellones oficiales, la cola ya llegaba hasta el borde de la laguna. Todo por lograr ver la pieza estrella de la Bienal: la película titulada precisamente Giardinien la que durante 50 minutos se recrea la soledad que vive este espacio en invierno, cuando no hay actividad y los perros campan a sus anchas como únicos habitantes de estos jardines. En una doble pantalla se van sucediendo escenas que no adornan ninguna narración. Por todo sonido se escucha, de vez en cuando, el de las campanas de las iglesias, el paso de los vaporetoso las pisadas caninas. ¿La acción? Hay ananás que trepan por la corteza de los árboles, las lombrices asoman entre las juntas de las baldosas y las lagartijas se deslizan bajo las zarzas. ¿Y el tema? Como en otros trabajos suyos, Steve McQueen habla del cambio de identidad que sufren personas y cosas en diferentes momentos y por diferentes circunstancias. El resultado genera una mezcla de melancolía y tristeza. Silencio de asombro y aplausos cerraron el viernes la segunda proyección de la mañana.

Las colas crecían y crecían a escasos metros del crecer de las plantas del artista que dirigió la multipremiada película Hunger (2008). Aguardaban para entrar en el pabellón de EE UU, ocupado por Bruce Nauman (Indiana, 1941), artista multidisciplinar de quien se exhiben dos bellas instalaciones, plenas de luz y sonido, fuera de la Bienal y que será nombrado doctor honoris causa el lunes en la Universidad de Venecia. Nauman ha rodeado su pabellón con neones nada menos que para hablar de virtudes como la prudencia, la justicia, la fortaleza o la templanza en una pieza globalmente tituladaTopological gardens. En el interior, expone tres impresionantes montajes. En uno cuelgan, a modo de móviles, 15 pares de manos rozándose. En la siguiente habitación penden del techo cabezas cuyos moldes son de voluntarios amigos. El espacio final está ocupado por una gran fuente de la que saltan piezas en formas caprichosas. El intercambio de experiencias e interacción con el espectador centran el tema del pabellón.

En el de Polonia, Krzystof Wodiczko presenta Huéspedes, centrado en los inmigrantessin papeles que aparecen como sombras intuidas tras ventanales opacos. Se completa con una performance exterior con voces y gritos que contrastan con el silencio interior, realizada por Elena Elagina e Igor Makarevich.

El fiasco principal se encuentra en el Arsenale, donde los participantes responden a la propuesta de esta edición: Construir mundos. Se trataría en realidad de crear arte para construir mundos. El resultado es una acumulación de obras cuyos autores parecen no haber ido mucho más allá del enunciado de la convocatoria. Parece un chiste, pero abundan las instalaciones a base de sacos de cemento, montañas de clavos o haces de maderas para tejados que sorprenden tanto como pasman. Algunas divierten, como las postales de una Venecia inexistente que reparte la artista polaca Aleksandra Mir; impresionan, como la instalación con hilos de oro levemente iluminados de la brasileña Lygia Pape; o conmueven, como los espejos que va rompiendo Michelangelo Pistoletto cada día. En general, sin embargo, el resultado parece el de un parque temático centrado en la confusión.

Quizá ése es el mensaje que se buscaba porque la confusión continúa en los Giardini, donde la exposición internacional sigue en el renovado pabellón de la bienal, cuya fachada ha sido ocupada por un monumental paisaje idílico de mar y palmeras de John Baldessari, artista que ayer recibió el León de Oro a la carrera, una distinción que compartió con Yoko Ono. La artista y viuda de John Lennon presenta en el Palazetto Tito de Venecia Anton's memory, homenaje a la vida de una madre explicada por su hijo y que ayer mismo realizó una de sus performances. También está en los Giardini con una de sus obras históricas, Instruction pieces, en las que en sencillos carteles anima al público a, por ejemplo, "escuchar los latidos del corazón". Buena idea.

Información: "EL PAÍS". ÁNGELES GARCÍA / CATALINA SERRA - Venecia - 07/06/2009

Gerhard Richter, entre la pintura y la fotografía

2009-06-04T21:20:00.010+02:00

Gerhard Richter (Dresde, 1932) lleva décadas fusionando la pintura con la fotografía y desafiando el debate tradicional que se entabla entre los dos medios: lo real frente a lo abstracto; lo objetivo frente a lo subjetivo. La Fundación Telefónica, en el marco de PhotoEspaña, plantea este reto en la muestra Fotografías pintadas, una serie de más de 400 imágenes, la mayor parte de ellas inéditas, ya que forman parte de colecciones privadas y raramente han salido de ellas.

Se trata de fotografías del álbum familiar del artista, imágenes de su familia, de su estudio, de su mujer amamantando a uno de sus hijos... Sobre ellas aplica capas de pintura hasta crear otra obra nueva, distinta, que no es fotografía y tampoco una pintura abstracta. "En las fotos hay dos realidades: la de la pintura y la de la fotografía", explica el comisario de la exposición, Marcus Heinzelman. "Cada uno verá una interpretación distinta de lo que ve en las obras. A Richter le preguntaron una vez y él respondió que sus obras eran más inteligentes que él", añade. De hecho, él buscaba el elemento "sorpresa", y si no lo encontraba, desechaba el intento. "Por eso cerca del 50% de su producción fue desechada", señala el comisario.

La mayor parte de las obras expuestas son de pequeño formato. La técnica es sencilla. Con la ayuda de una espátula, a veces Richter arrastra la fotografía por la pintura aún húmeda; otras veces coloca la foto al borde de la espátula y extiende la pintura sobre ésta, o salpica gotas de pintura. Heinzelman explica que el artista realizó estas piezas con el óleo que le sobraba de sus grandes lienzos.

Cada pieza adquiere un nuevo significado que será distinto para cada espectador. "La dinámica entre foto y pintura se torna una dinámica de revelación y ocultación, de visión y ceguera, de juego de una dimensión contra la otra, de creación de ambigüedades entre ellas. ¿Dónde termina la pintura y empiezan esas hojas y ramas? Los colores de los cielos, las hierbas, los edificios, la ropa fotografiados se mezclan o contrastan con la pintura, que abre, cierra o envuelve mi visión cuadno contemplo la imagen que ha recibido una nueva y asombrosa profundidad gracias a las pinceladas interventoras", escribe la novelista y ensayista Siri Hustvedt -casada con Paul Auster- en el catálogo editado con motivo de esta exposición.

Fuente:"El País" por ISABEL LAFONT

La magia de la imaginación

2009-05-30T14:07:00.003+02:00

La magia de la imaginación, que todos tenemos "a mano", pero pocas veces utilizamos.

Entrevista a Miquel Barceló por Ana Tagarro

2009-05-21T22:51:00.003+02:00

Barceló, 52 años, casado con una holandesa, Cécile, y padre de dos hijos adolescentes, posa en su estudio de París junto a uno de los retratos que está pintando.

Todavía no se ha apagado la polémica sobre su cúpula en la sede de la ONU en Ginebra y Barceló vuelve a la actualidad al representar a españa en la bienal de Venecia. Dedicado en cuerpo y alma a su trabajo y ajeno a las críticas, Nos recibe en París para hablar de «lo que realmente importa».

Una enorme cabeza de rinoceronte preside la recepción del taller de Barceló en París. No es el único trofeo cinegético que decora las paredes, lo que no deja de ser curioso en un activo ecologista. «Yo no cazo nada y no son decoración; son modelos», aclara. El rinoceronte lo compró en un anticuario y debe de tener cien años. Mejor historia tiene el cráneo de hipopótamo: «Lo cazaron mis vecinos en Mali y tuve el honor de que me invitasen a comerlo. Fue horroroso –se ríe–. Sabe como a madera de palmera hervida en lodo putrefacto. Repugnante». Barceló se instaló en Gógoli, una aldea del país Dogón, hace 20 años, después de un largo viaje por África. Desde entonces reparte su tiempo entre su Mallorca natal, Mali y este taller de París. El mar, el desierto, la ciudad. En este edificio del barrio de Le Marais, el taller del artista ocupa distintas estancias un tanto laberínticas: «Aquí pinto retratos; aquí, la obra más grande; aquí, la cerámica…». Barceló abre una trampilla que, bajando unas empinadas escaleras, conduce a un espacio en que trabaja en un oso de tamaño real que formará parte de Paso Doble (unaperformance que él interpreta con el bailarín Josef Nadj). «En esta planta –cuenta divertido– se rodaban antes películas porno.» El taller es grande y en cada esquina hay una especie de ‘altares’ con figuras pequeñas, como juguetes infantiles, que le sirven de modelos, restos de animales, bocetos, libros, pinturas, cubos, brochas, CD, miles de pequeños objetos... y todo, impoluto. Llama la atención la limpieza, el orden. En una estantería, los cuadernos, cientos, de todo tipo, perfectamente clasificados en unas elaboradas cajas. «Todo lo que he hecho, toda mi obra, está en principio aquí, en los cuadernos.» Barceló pinta y escribe continuamente: poemas, datos, anécdotas, reflexiones, dibujos, acuarelas… Algunos cuadernos son apenas trazos; otros, auténticas obras de arte. Unos y otros los ojea Barceló con el entusiasmo de quien los descubre por primera vez, un entusiasmo que ilumina su rostro mitad Bacon, mitad Tintín, haciendo irrelevantes sus 52 años. Así recibe a XLSemanal un soleado y apacible día en París que sólo interrumpe de vez en cuando el croar de una rana: el sonido de su móvil.

XLSemanal. A partir del 7 de junio expondrá su obra en la Bienal de Venecia. Casi 30 años después de hacerlo en la Bienal de Sao Paulo, donde fue ‘descubierto’. ¿Qué es lo que ha cambiado y qué perdura del Barceló de entonces?
Miquel Barceló. A la Bienal de Sao Paulo ni siquiera fui yo, fueron mis obras, unos libros pintados que había hecho en los 70, algo residual, fácil de transportar y que parecían más ‘inteligibles’ que los cuadros en los que trabajaba entonces. Por supuesto hay muchos cambios de una bienal a otra, cambios radicales, incluso, pero, como decía Lampedusa, «para que todo siga igual». La pintura es como pelar una cebolla; cada vez, te acercas más al corazón. Cada artista tiene una forma de trabajar. La mía es ir en muchas direcciones a la vez, con contradicciones aparentes, para ir buscando la esencia, el cogollo del cogollo.

XL. ¿Se atrevería a definir ese cogollo?
M.B. [Silencio] Todos los artistas buscamos de alguna forma la sublimación de nuestro lenguaje, lo que tiene de esencial. Repetimos temas y maneras, pero cada vez con menos artificio. Ahora incluso me da apuro cuando pienso en los primeros 80, disfrazados de punk…Hoy, la violencia sobre un cuadro me parece completamente irrelevante. Sin embargo, en aquel momento estuvo bien hacerlo, ir a la contra, porque todo va adquiriendo sentido con el tiempo. Es como un hilo muy largo. Un artista se tiene que mirar por esa trayectoria. Ahora estoy trabajando en un oso que de alguna forma está relacionado con cuadros que pinté hace años. El oso en la cueva es anterior a cualquier gesto humano. Me gusta mucho la pintura rupestre, es la que más me emociona. Los hombres vimos las uñas, las trazas del oso en la pared, y repetimos su gesto de rascar sobre el moho y el fanguillo de la cueva buscando la calcita. Luego hicimos ese mismo gesto con un pedazo de hueso, la primera incisión; luego añadimos pigmentos… es el comienzo del arte. Ponerme a mí mismo como el oso de la caverna es un gesto primordial, es el pintor prehumano. Es volver a los orígenes. También con la cerámica. La arcilla es lo más parecido a la materia originaria del mundo y me meto dentro. Es una forma de trabajar en algo muy ‘de origen’ con todo el cuerpo.

XL. Su obra implica casi siempre esfuerzo físico, ¿tiene alguna función terapéutica?
M.B. La parte física es liberadora. Me gusta ver qué pasa con el cuerpo en la obra de arte y llevarlo al extremo.

XL. Hablando de extremos y de desafíos, es ineludible hablar de la cúpula del edificio de Naciones Unidas en Ginebra.
M.B. Fue un desafío, en primer lugar, porque es un encargo institucional. El enunciado «el Gobierno de España y Naciones Unidas...» no me hacía ninguna gracia. En principio, ni siquiera lo contemplé, pero después pensé: «Una cúpula de este tamaño es justo lo que necesito para desarrollar algo en lo que ya estaba trabajando, las estalactitas». Y me acordé de lo que decía Miguel Ángel de que nunca había tenido un encargo a la altura de lo que él podía hacer. No es que yo tuviera esa frustración ni que me crea Miguel Ángel, pero pensé que para poder llegar al último extremo de la pintura al revés, ésta era la ocasión. Y, además, en un lugar ‘extraño’ como es la sede de Naciones Unidas, donde se reúne un representante de cada país, que igual deberían llevar parejas, como Noé [ríe]… Y acepté, pese a que sabía que sería mucho trabajo y, de hecho, fue más de lo que pensé.

XL. ¿Era más un reto técnico que artístico?
M.B. En mi caso la técnica está tan ligada a lo artístico, están tan ligados el fondo y la forma, el cómo y el por qué que no se pueden separar. Lo que no hay que hacer es exhibición de la técnica. En Ginebra, es cierto que todo se complicó, pero lo importante es lo que queda.

XL. ¿Está usted satisfecho con el resultado?
M.B. Sí, lo estoy.

XL. Tras un año de intenso trabajo, ¿qué siente cuando escucha que lo califican como ‘la apoteósis del gotelé’?
M.B. Estoy muy acostumbrado. Me han llamado de todo. No puedo decir que me lo esperaba, pero siendo un encargo oficial era normal que fuese más atacado.

XL. Se dio otra circunstancia: el Gobierno le pagó con dinero destinado a los Fondos de Ayuda al Desarrollo (FAD).
M.B. Eso fue muy desagradable. Si se usó dinero del FAD me parece muy feo, y alguien tenía que haberlo aclarado inmediatamente, pero las explicaciones no las tenía que dar yo.

XL. ¿Hubo alguna crítica que le hiciera especial daño?
M.B. Nunca hay que quejarse de las críticas, ni de las buenas ni de las malas. Y de las malas, además, se puede aprender. Aunque reconozco que hay cosas que me sorprenden… ¡se ha llegado a publicar que la obra se caía a trozos! Y no se cae, no se ha caído nada. Es mentira.

XL. Quizá las críticas estén relacionadas con la ‘politización del arte’ o más bien de los artistas que últimamente expresan mucho sus opiniones políticas.
M.B. En ciertos momentos es importante opinar. Yo hablo cuando me parece que merece la pena hacerlo. No entiendo este tabú de que los artistas no puedan dar su opinión política.

XL. Digamos que tiene que ver con el hecho de que por su opción política se benefician de una serie de subvenciones o adjudicaciones del Gobierno, como –podría pensarse– que le encargasen la sede de Ginebra o que ahora represente a España en la Bienal de Venecia.
M.B. La verdad, no me parece tan extravagante que yo represente a España. ¿No soy un artista desconocido, no? Se me escapa un poco esto…

XL. ¿Cree que su expreso apoyo al Gobierno de Zapatero es independiente de su presencia en la bienal?
M.B. Estoy seguro, segurísimo. Yo participé en muchas exposiciones por el mundo con el PP. Con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (Seacex), mi obra viajó a Brasil, México, Alemania… y gobernaba Aznar. Y si miras mi currículum, seguro que habré hecho cosas con gobiernos de todos los colores. Yo he apoyado siempre a grupos ecologistas y de izquierda en general. Nunca me he escondido para dar mi opinión, pero tampoco es que mi opinión sea muy relevante. No es el momento de profundizar en esto, pero… tener que callarme, ¡de ninguna manera!

XL. Volvamos al arte. ¿Qué tal se lleva con las nuevas tecnologías? ¿Usa usted el ordenador para pintar?
M.B. Lo he usado, pero no me siento cómodo. Supongo que será falta de práctica, pero es que tampoco me aporta nada. Uso el ordenador para buscar información y para ver al Barça [con el 2-6 en el Bernabéu reciente, sonríe sin cortarse y confiesa que tiene entradas para ver en Roma la final de la Champions]. Pero para pintar, no. Y yo, para mi pintura, uso lo que haga falta; si me hicieran falta gotas de sangre de virgen, las encontraría; si me hiciera falta lo digital, lo usaría, pero no lo necesito.

XL. ¿Pero le interesa el arte digital?
M.B. Me interesa mucho, pero como forma de pintura.

XL. ¿...?
M.B. Lo que me interesa es la relación con lo real. En el mundo digital no tienes garantía de realidad de nada. Hace 20 años ante una fotografía no ponías en duda que fuese algo que existiese. Ahora ya no es así. Hoy, la fotografía es una técnica pictórica más. La fotografía es pintura. Ocurre lo mismo con las noticias digitales. Una noticia en Internet puede ser verdad o no. En cambio, no ponías en duda que una noticia impresa fuera real. El descrédito de lo real es muy interesante. El mundo analógico daba más certezas. Ahora vivimos en la incertidumbre y no hay que buscar certezas en las representaciones, sino en otras cosas.

XL. ¿En qué cosas?
M.B. La religión ya no está ahí para ayudar. Quedan el arte y la poesía. Las cosas elementales y esenciales en un mundo huérfano de certezas.

XL.¿Qué es hoy una obra de arte?
M.B. Yo creo que una obra de arte es una manifestación humana que consigue o tiene el poder de trascender. Es un objeto de conocimiento. Lo que ha sido siempre.

XL. ¿Y no cree, a juzgar por el mercado, que una obra de arte es más bien lo que deciden los críticos y galeristas?
M.B. No. Yo espero que esta crisis, en lo que concierne al arte, sirva para quitar paja, esos excesos pornográficos. No soy un experto en el mercado del arte ni en ningún mercado, pero te das cuenta de que lo que hay son formas de que mucha gente gane dinero sin hacer nada, como intermediarios. En cualquier caso, el mercado del arte es muy residual comparado con el inmobiliario o el farmacéutico.

XL. Pero admitamos que está tan inflacionado como el inmobiliario.
M.B. Había llegado a un punto insostenible. Creo que hay que repensar todo, los museos, las galerías… Es un buen momento para hacer limpieza.

XL. Usted no es muy proclive a hablar de su vida privada…
M.B. Es porque los pintores tenemos una vida muy aburrida. La vida en el taller es muy poco excitante para el público.

XL. Hablemos de antes del taller: su infancia. Usted no cree que sea ‘el paraíso perdido’, pero asegura que uno es como fue de niño.
M.B. Sin duda. Es determinante. La infancia es un intento de los adultos por colonizar a los niños, y yo era un súbdito difícilmente colonizable. Yo me resistí mucho a ser colonizado.

XL. ¿Porque quería seguir siendo niño?
M.B. Por muchas razones. Digamos que tuve una infancia muy activa. Estuve bien alimentando y eso, pero fui un niño muy problemático.

XL. Su madre era pintora...
M.B. Mi madre pintaba. No era pintora. Pero había pinturas en casa y libros de pintura.

XL. ¿En qué momento decidió que quería ser pintor?
M.B. No sé. La decisión de no hacer otra cosa que pintar la tomé con 12 o 13 años. Hacer un trabajo de modus vivendi, de oficina y hacer de soldado era algo para lo que me sentía totalmente incapacitado. Cuando tenía como 18 años, en Palma, harto de no tener un duro, fui a un sitio en el que daban trabajo de carga y descarga a todo el mundo, pero me vieron con el pelo largo y me echaron. Es el único día que recuerdo haber buscado lo que la gente llama ‘trabajo’. Después hice cosas de serigrafía y carteles para Joan Miró y limpié cubertería de plata, 50.000 cucharas y tenedores… pero no voy a contar mi vida, que es como de Lazarillo de Tormes.

XL. Hombre, seguro que resulta interesante.
M.B. No, no es contable [sonrisa claramente disuasoria]. Cuando eres joven, puedes vivir con muy poco. Yo tenía muy claro que un trabajo me quitaría tiempo y mi tiempo era todo para la pintura. Siempre ha sido así.

XL. Aunque ahora lo comparte con la cerámica, la escultura, el teatro, la escritura… es usted un artista multidisciplinar.
M.B. Es para que no se convierta en algo mecánico. Odio eso de tener una fábrica de cuadros. Cuando veo esos talleres de artistas con 20 ayudantes... no quiero ser así. Quiero que cada cuadro sea como un pequeño milagro. Es como tener un huerto con un montón de cosas: tomates, lechugas… y luego cosas experimentales: plantas carnívoras, que no sabes si prosperarán. El fracaso forma parte de la experimentación. Mi pintura está hecha de borrar, de pintar encima. En mi ‘huerto’ hay muchas cosas inacabadas, raras: un cruce de rosa y lagarto...

Rchard Serra

2009-04-27T17:09:00.006+02:00

Aconsejo la entrevista que Isabel Lafont le ha realizado a Richard Serra el 27/04/2009 para el diario "EL PAÍS".

Junior Jacquet

2009-04-19T01:08:00.003+02:00

Junior Jaquet es el escultor artífice de estas obras.

Herramienta para aprender el Diédrico

2009-03-31T20:10:00.003+02:00

En esta página Paco Aguero nos ayuda a entender mejor el sistema Diédrico.

La belleza de lo cercano

2009-03-08T01:16:00.002+01:00

Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger son los artífices.

Bansky

2009-03-08T00:39:00.004+01:00

Este Bansky es simplemente genial.

Con papel y paciencia...

2009-03-08T00:30:00.003+01:00

Desde lugo que hay que tener paciencia, pero también creo que es necesario un poco de visión espacial.

Pierre Gonnord

2009-01-10T15:07:00.004+01:00

¿Sólo retratos?

Takashi Okada

2008-12-02T18:37:00.004+01:00

Visitad la página de este diseñador, merece la pena.

ENTREVISTA: ANISH KAPOOR Escultor "Ando en busca del no-objeto"

2008-12-02T18:04:00.004+01:00

El arte islámico prohíbe la representación de seres vivos y en el cristiano abundan. La intervención del escultor angloindio Anish Kapoor (Bombay, 1954) en la sala Sahrq al-Andalus, dentro del monasterio de las Claras, en Murcia, parece combinar ambos preceptos. Un gran espejo cóncavo compuesto de celdillas octogonales refleja claramente en las mínimas superficies al espectador que se aproxima. Si da unos pasos atrás sólo verá el efecto óptico de formas geométricas. Islamic Mirror es la primera de una serie de obras en el espacio público que ha iniciado la Consejería de Cultura de la región y la Fundación Bancaja. La pieza, que permanecerá en este emplazamiento hasta el 10 de enero, alude al tránsito formal, matemático y geométrico entre el cuadrado y el círculo. Un problema que ha preocupado históricamente a la ciencia, el arte y el misticismo, según la comisaria de esta muestra, Rosa Martínez. El artista, que no pudo asistir a la inauguración contestó a esta entrevista por e-mail.

Pregunta. La instalación Islamic Mirror se presenta como una precisa y poética síntesis de geometría y espiritualidad. ¿Cómo ha llegado a la concepción de esta pieza?

Respuesta. Islamic Mirror surge de un largo proceso en el que he venido trabajando con espejos cóncavos. Este tipo de espejos reflejan el mundo de forma invertida. El hueco se convierte en un espacio lleno de reflejos y no simplemente en un espejo curvo. Se trata de una realidad perceptual y física. Islamic Mirror procede del estudio de las matemáticas islámicas y la repetición de dibujos. Cada uno de los pequeños espejos es plano, y por lo tanto refleja una imagen que se corresponde con la real. Sin embargo, como superficie continua, la obra da una imagen invertida. De esa forma, Islamic Mirror refleja a la vez la imagen en posición normal y al revés.

P. ¿Qué cualidades de los espejos le interesan más para su obra: el reflejo del espectador (y su complicidad), la invisibilidad, la frialdad...?

R. Los espejos son objetos muy complejos. Durante muchos años realicé formas cóncavas muy oscuras. Creaban espacios "llenos" de oscuridad. Los espejos cóncavos con los que he trabajado están llenos, de la misma forma, de esa cualidad especular. Ando en busca del no-objeto. En los espejos me interesa su calidad de material no objetual.

P. Suele hacer estudios sobre la percepción de la escala para cada una de sus obras. Tanto el efecto físico como el psicológico. Creo que usted ha hablado en alguna ocasión de "escultura mental". ¿Qué quería decir?

R. La escala lo es todo en escultura. No temo hacer piezas grandes pues la enormidad es una de las herramientas de la escultura. Citando a Barnett Newman, la escala es cuestión de contenido, no de tamaño. Por eso es importante tener en cuenta el significado y el sentido de una pieza que nos seduce con su poesía. Como creo profundamente en la idea del no-objeto, puedo concebir una obra que exista sólo en la imaginación.

P. La experiencia al ver su obra suele despertar una reacción emocional inmediata en el espectador. ¿Despertar esas reacciones es algo que usted planifica en sus obras?

R. El espectador tiene que manejar su propia emocionalidad. Mi trabajo es sólo provocarla. El arte puede tener el poder de crear cierta intimidad y me interesa crear obras que establezcan una relación íntima y formal con el espectador.

P. Memory, la nueva escultura que inauguró este fin de semana en el Guggenheim de Berlín, ocupa -obstruye- casi por completo una sala. ¿Qué es lo que más le interesa en la relación entre escultura y arquitectura?

R. Memory es en cierto modo una "escultura mental". Sólo permite una visión restringida de sí misma y del espacio en el que se encuentra. Para poder tener una imagen total de ella hay que reconstituir tres perspectivas distintas. Ya hice algo relacionado con esto en mi instalación titulada Marsyas en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, donde nadie podía tener una visión completa de la obra, y el objeto parecía mayor que el espacio que ocupaba.

Fuente: EL PAÍS

Inaugurada la cúpula de Miquel Barceló en la sede de la ONU en Ginebra

2008-11-30T17:22:00.002+01:00

Sin palabras

A. Gilmore

2008-11-28T17:35:00.006+01:00

Aquí tenéis un enlace a algunos trabajos de A. Gilmore.

Antonio López

2008-10-04T18:10:00.004+02:00

Entrevista realizada por Gemma Nierga y Nativel Preciado al pintor y escultor Antonio López, en el progrma "La Ventana" de la cadena SER.

Levi van Veluw

2008-08-26T11:47:00.004+02:00

Levi van Veluw es un artista que trabaja con su rostro, utilizándolo como soporte para conseguir un resultado de gran impacto visual.

Byroglyphics

2008-08-24T19:12:00.003+02:00

Mirad los trabajos de Russ Mills, altamente aconsejables.

Jan Hendrix

2008-08-20T21:38:00.005+02:00

Sencillamente la belleza de la naturaleza interpretada por Jan Hendrix.

El Aula 28, una obra de arte

2008-08-19T11:41:00.009+02:00

En el IES “Biello Aragón” de Sabiñánigo (Huesca) un grupo de profesores y alumnos cubrieron los muros de un aula con pinturas medievales.
Por Severino Pallaruelo

Tras cuatro años de trabajo el espacio quedó transformado: del habitual entorno blanco de las clases se pasó a un envoltorio lleno de colores y de formas que sorprende por la calidez y ofrece un interesante material didáctico para los temas de historia y de arte.

Un aula con altos techos blancos
El “Biello Aragón“ ocupa unos edificios construidos hace 25 años en torno a un patio central porticado. En el piso superior hay varias aulas con altos techos abuhardillados, que reciben luz natural por ventanales orientados a levante y a poniente. Fueron estas condiciones las que inspiraron a los profesores la idea de las pinturas.

El proyecto
Una vez tomada la decisión de cubrir el interior de un aula con pinturas, costó poco decidir qué se iba a pintar. Si se quería que la participación fuera amplia, y contando con que ni el alumnado ni el profesorado tenían experiencia alguna en este terreno, no podían elegirse obras de gran complejidad técnica. Las pinturas medievales, donde la perspectiva y el estudio de la luz no cuentan y las figuras se trazan con líneas sencillas y bien perfiladas, ofrecían un modelo adecuado.
Primero se trazó un programa iconográfico coherente y después se buscaron las figuras que se adaptaban al mismo. En el techo se representaría el mundo religioso ordenado según la jerarquía que aparece en los templos medievales. En el zócalo iría el mundo de los muertos. Entre ambos, cubriendo los muros, se situaría el mundo de los vivos, los estamentos de la sociedad medieval, los trabajos de cada mes, la caza, el pastoreo…
Mediante la consulta de publicaciones acerca de las pinturas murales románicas y de los códices miniados se fue conformando un banco de representaciones donde no sólo aparecían escenas o figuras sueltas sino un gran número de orlas que permitirían completar y enmarcar las secuencias elegidas.
Sobre los dibujos a escala de los muros y del techo se iba colocando el programa diseñado hasta comprobar que se ajustaba a los espacios que debía cubrir. A la vez íbamos resolviendo los temas prácticos: qué tipo de pintura usaríamos, cómo conseguiríamos los andamios, de qué modo simplificaríamos mediante el uso de plantillas el trazado de las orlas geométricas, qué haríamos con la instalación eléctrica, etc. etc. Quince días después ya teníamos los andamios colocados y comenzaban a aparecer en los muros las figuras de los frailes, de los guerreros y de las campesinas medievales. Lo que no esperábamos era pasar cuatro años con la clase invadida por los andamios y con los pupitres repartidos entre los amarillos tubos metálicos que sostenían las plataformas desde las que pintábamos por la tarde.

Un proceso largo y laborioso
Quizá si hubiéramos sabido que iba a ser tan largo no habríamos empezado. Fuimos optimistas. Dijimos: esto en Navidad está acabado. Trabajábamos dos tardes cada semana, fuera del horario escolar, desde las cuatro hasta las ocho, a veces hasta las nueve. Solíamos acudir tres o cuatro profesores y algunos alumnos, unos días dos, otros tres o cuatro, a veces media docena. En los días inmediatamente anteriores a las vacaciones, esas jornadas tan difíciles de organizar porque ya se ha hecho la evaluación y aún no ha comenzado el nuevo trimestre, reunimos a veinte alumnos y alumnas en los andamios durante seis horas cada día. Se avanzó mucho, pero fue insuficiente: las vacaciones llegaron y no habíamos cubierto ni una octava parte de la superficie. No importa, dijimos, para el verano estará acabado todo. Pero al llegar junio sólo habíamos pintado una cuarta parte del total. Estaba ya la majestuosa figura del Cristo de Taull y los doce apóstoles, estaban los guerreros y las campesinas, los cazadores, los pastores, Adán y Eva, San Miguel pesando las almas y algunos diablos. Pero todavía faltaba mucho.
El cuarto año hubo un momento de peligro. La obra parecía eterna y comenzábamos a estar hartos de colores y de figuras con rostro hierático. No teníamos ganas de seguir pintando caras con enormes ojos inexpresivos y manos acartonadas. Pero estábamos decididos a acabar la obra iniciada. Cambiamos de tema. En lugar de los oficios artesanales y de la vida en las ciudades medievales, que figuraban en el programa planteado para el cuarto muro, decidimos pintar dos trampantojos de arquitectura: una portada románica y un claustro. Todo en colores suaves, en una gama de ocres y de grises que permitiera descansar la vista y creara una sensación de continuidad espacial, de profundidad. La idea resultó oportuna: infundió nuevos ánimos a los pintores y permitió acabar el proyecto.

La iluminación
La instalación eléctrica original del aula había sido arrancada porque las conducciones estorbaban para realizar las pinturas. Era necesario colocar nuevas luces que cumplieran la doble función de servir a los usuarios habituales del aula y de alumbrar las pinturas. La tarea no resultaba fácil: los haces de luz que servían para una cosa estorbaban para la otra. Del proyecto y de la instalación se encargaron los alumnos de la rama profesional de electricidad que se imparte en el mismo instituto, dirigidos por el profesorado de la especialidad. Finalmente el alumbrado estuvo listo y el proyecto se dio por concluido. Los focos supusieron el mayor gasto. Lo demás no había costado apenas nada. Cien euros para pintura. Eso fue todo.

Multidisciplinar y transversal
El impulso inicial de proyecto fue sólo eso: un impulso. Teníamos ganas de hacer algo, nos seducía la idea de transformar el espacio, queríamos notar la sensación de vernos envueltos en colores y en formas aprovechando la amplitud del espacio y la calidad de la luz. Nada más. No hicimos cálculos acerca de cuánto tiempo podía costar cubrir con figuras casi doscientos metros cuadrados de muro, no se realizó una programación exhaustiva donde se descompusieran explícitamente los objetivos, ni se redactó un cronograma realista. Sabíamos que realizaríamos tareas muy diversas, que aprenderíamos –todos, el alumnado y el profesorado– muchas cosas y que invertiríamos mucho tiempo. Nada más.
Hay cosa que son fáciles de programar y de evaluar: cómo se emplearán las imágenes para trabajar el estudio de la mentalidad y de la sociedad medievales, qué uso se hará de las mismas para explicar el arte románico o cómo contribuirán al conocimiento de la historia de las religiones. Todo eso se pensó al programar la actividad y sigue teniendo vigencia. Pero la obra tuvo otros valores con incidencia particular en quienes participaron en la realización, en aquellos profesores y alumnos que pasaron muchas horas en los andamios pintando, debatiendo acerca de los problemas que se iban presentando, fabricando colores, elaborando plantillas de cartón, dibujando siluetas a lápiz, manejando taladros, amasando yeso, moviendo y montando andamios, planificando las tareas, modificando las previsiones. Fue un aprendizaje no previsto, algo muy instructivo no planificado: la suma de competencias que exige la culminación de un proyecto amplio y complejo. Y la audacia. A veces va bien ser audaces en los proyectos, implicar a mucha gente, imaginar tareas grandes. Las cosas que parecen sólo juegos no acaban de atrapar a algunos alumnos y a muchos profesores. Los más entusiastas quieren hacer cosas de verdad. Hasta cuando juegan.
Las pinturas quedaron concluidas. El aula se ha empleado con normalidad para dar clases de geografía y de historia. A veces han venido grupos escolares de otras ciudades a verla. A quienes pintamos nos gusta mirar la cara que ponen los que llegan a contemplarla por primera vez: muestran en los ojos cierto asombro y un poco de incredulidad. Les parece raro que en la obra participaran alumnos y alumnas como ellos. También en eso hay una lección que aprender: con entusiasmo, constancia, laboriosidad y trabajo en equipo pueden hacerse más cosas de las que uno se imagina.

Información extraída íntegramente de la REVISTA PROFESIONAL. Nº 515, Mayo 2008, del sindicato ANPE.

Michael Kenna

2008-08-19T09:43:00.002+02:00

La belleza de la sencillez.

El Caballero Oscuro (The Dark Knight) - Trailer español

2008-08-16T06:09:00.002+02:00

El cómic sigue siendo un fuente de inspiración inagotable para el cine.

Spot Audi RS6, Gymnasts, Gymnastics UK

2008-08-16T05:56:00.004+02:00

Echad un vistazo a este anuncio, no os defraudará.

3D Real Life Optical Illusions

2008-08-16T04:48:00.004+02:00

A veces la vista nos juega malas pasadas.

Iwamoto Scott Architecture: Voussoir Cloud

2008-08-14T10:15:00.003+02:00

Instalación realizada con papel y madera por el arquitecto Iwamoto Scott.

Mia Pearlman

2008-08-14T09:42:00.003+02:00

Es muy aconsejable visitar la página de Mia Pearlman, que la disfrutéis.

Cara Barer

2008-08-13T11:03:00.003+02:00

Echad un vistazo a las fotos de Cara Barer.

Cómo pintar sin miedo

2008-08-11T12:00:00.009+02:00

A veces el miedo come a los artistas, les devora, les paraliza y les deja sin fuerzas. A veces el miedo no les deja pintar con total libertad. A veces pintar no es fácil. Miedo, miedo, miedo.

La sensación reverbera en las almas de los ocho pintores que Juan Genovés (Valencia, 1930) ha escogido para el taller que imparte en los cursos de verano de la Universidad Complutense en San Lorenzo de El Escorial (Madrid). Ocho de entre sesenta solicitudes.

Otra vez el ritual de espantar a los demonios que atenazan a los creadores, el santo oficio de ayudarles a liberar su angustia.

"Durante demasiado tiempo se han alimentado los mitos. Se ha divinizado la soledad del artista, se ha fomentado la rivalidad con sus colegas. Y siempre hubo talleres. Los pintores no pueden mirar su ombligo, necesitan relacionarse con otros. Solo no sabes traspasar los límites, los miedos", explica el artista.

¿Miedo a qué? Genovés esboza una sonrisa franca; los ojos se tornan espejos, miran hacia su dilatada trayectoria. Hacia tantas y tantas obras, tantos y tantos premios. El peso incluso de su mítico lienzo Amnistía, símbolo de la Transición: "A veces uno no sabe qué es el miedo. Temes enfrentarte a la tela en blanco, fracasar, no gustar... Y no arriesgas. Yo les digo que hagan barbaridades, que intenten lo imposible. Estoy aquí para hacerles valientes. Deben buscarse a sí mismos, procurar la autenticidad más que perseguir la originalidad".

La válvula de escape

Genovés sugiere, incentiva. Camina entre las obras, paladeando cada paso con sus masais castaños en los pies. Las escanea con la mirada. "Te falta la sorpresa", le susurra a uno de sus alumnos, le pide riesgo.

Que no repita y experimente. Puede expandirse en el taller, forrado de plástico, salpicado de gotas de pintura. Los soportes (papel o lienzo) se comen el pavimento. "La gran conquista fue poder pintar en el suelo. Lo hacía Fra Angelico en el siglo XV y después Pollock y Picasso. Pintar es oficiar. Poner en vertical tu obra cuando la has concluido es sellar ese ritual. Deja de ser tuya. Es de los demás, de los espectadores, los dueños reales del cuadro", ilustra.

Trinidad Trull, a escasos metros, acaricia un pequeño fragmento de papel embadurnado de pigmento. Es una pieza de su collage, de ese puzle que, completado, dará vida a la cara de una niña. "Soy anestesista pediátrica en el Vall d'Hebron y hace 12 años descubrí la pintura. No he podido parar. Me sirve como válvula de escape para arrojar el estrés, el vacío y la pena que a veces se te queda dentro".

Trinidad quiere expresar los sentimientos del ser humano", llegar al fondo, y por eso aprecia la "lección de creatividad" de Genovés: "Nos enseña a arrinconar la cobardía, a usar nuevos recursos, técnicas que no están en los libros". Hay que sacar petróleo de uno mismo. Y la atmósfera lo da. El contacto con los compañeros. A veces también otro arte, la música: "Me he puesto Antony and the Johnsons y me he dejado llevar. Quería bailar con el pincel, sin pensar".

Estefanía Urrutia dice haberse redescubierto. De sentirse pintora realista a probar con nuevos trazos, nuevas manchas. "Te sorprendes de lo que eres capaz. Estos días he sacado la influencia de Matisse. Estaba ahí, dormida. ¡Esto está siendo una experiencia terapéutica!", dice.

Su voz de azúcar conduce al sentido del arte: "Hago pintura realista desde la honestidad. La propia realidad es algo fascinante a la que no quiero renunciar".

Cómo, y no qué

Más allá, Marta González Alique rechaza volver hoy a los cromos, la pintura figurativa, la que dibuja fielmente el mundo: "Busco vida, que la gente vibre, se emocione". Eduardo López, el único chico en el taller, persigue en cambio "el compromiso político", como el que Genovés ha pulsado en su carrera: "No podemos ser neutrales como artistas. Apoyas un bando u otro, el de los explotados o el de los explotadores. Hay muchos diamantes en bruto y muchos brutos con diamantes", concluye. López camina y se detiene ante su obra. Al momento, sobreviene la pregunta: ¿qué es?

La plástica no se puede explicar con palabras. La pintura no es literatura. Es otro lenguaje, el de la mirada, y ese hace falta educarlo", Genovés hilvana sentencias como puños. Lúcido, sereno, con la carga del inmenso bagaje de sus 78 insólitos años: "No importa qué expresas, sino cómo lo haces". Esto, la pintura, "es la vanguardia", musita. "No la retaguardia", precisa. Sigue viva. Se puede tocar. Y, sobre todo, mirar.

Información extraída íntegramente del diario "Público", artículo de JUANMA ROMERO - San Lorenzo de El Escorial - 07/08/20008.

Somos predeciblemente irracionales

2008-08-11T11:24:00.002+02:00

Delta Inc

2008-08-11T10:41:00.002+02:00

Graffiti & Geometía pueden ser amigos. Podéis ver algunos ejemplos en Delta Inc.

Due3

2008-08-11T10:19:00.004+02:00

Vistad la página de Due3, no tienen desperdicio sus diseños gráficos y sonoros.

Vicente Colom

2008-08-10T20:39:00.005+02:00

Vicente Colom nació en Valencia en 1941 y a la temprana edad de 14 años comenzó a trabajar en la imprenta fundada en 1887 por Luis Farinetti que, por aquel entonces bajo la supervisión de Ernest Furió, realizaba el timbrado en relieve a través de placas de acero grabadas a mano con buril. Ésta actividad a la que dedicaría más de una decena de años, sería el elemento provocador de su interés y admiración por los pintores grabadores como Rembrandt, Goya y Durero, de los que reconoce algunas huellas e influencias en su arte.
Paralelamente, se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos hasta 1965, fecha en la que partió para París, donde viviría durante tres años, regresando a España tras los acontecimientos revolucionarios del Mayo del 68.
En esta ciudad sobrevivió dando clases de Yoga en el Centro Cultural de la India y trabajando como grabador. Sería en Paris cuando Colom se inclinaría casi definitivamente por el dibujo a pluma. Sus múltiples visitas al Musée Guimet, Musée Nacional des Arts Asiatiques, en cuyas colecciones se pueden encontrar importantes muestras de pintura tradicional china, le reafirmaron en el objetivo de conseguir las máximas calidades y volúmenes a través del blanco
y negro, del claroscuro y del dibujo.
En 1969 conoció a Federico Roble, director de la Galería Fortuny de Madrid, quien le introdujo en el entramado artístico de aquellos años. Un año antes de su llegada, había tenido lugar en la Galería Eurocasa de Madrid y posteriormente lo haría en la Galería As de Barcelona, la exposición «Antes del Arte» cuyo objetivo, según el teórico del grupo, Vicente Aguilera Cerni, era “rastrear el camino que va de la ciencia al arte”. En la misma línea de investigación, se proyectarían experiencias similares como las organizadas por el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid y, por otra parte, se reafirmaría la reacción de carácter heterogénea de la «Nueva Generación» contra la poética del informalismo, que Juan Antonio Aguirre consiguió plasmar en su libro Arte último, publicado en 1969.
Tras residir dos años en Asturias, se estableció en 1972 en Madrid donde compartió estudio con Vicente Peris hasta 1974. Ese mismo año también conoció en Munich a Pamela Shuts, una bailarina norteamericana con la que convivió durante siete años y a la que debe sus series sobre el movimiento y la figura humana: músicos ambulantes tocando instrumentos, violinistas en plena acción, tipos populares y especialmente aquellos temas dedicados a la danza. En 1975 comenzó su amistad con Raúl Chavarri, quien lo apoyaría y orientaría en su trayectoria artística. Durante finales de los setenta y principios de los ochenta, Colom compaginó la pintura al óleo y a la cera de corte expresionista –desnudos y paisajes- con el dibujo a pluma. Éste último prevalecería a partir de esos momentos y se caracterizaría por una cumulación dibujística tanto de contornos como de masas delimitadas en ciertas áreas del papel mientras que otras zonas quedaban presas, ocupadas por el vacío. Espantapájaros, pantalones y chaquetas melancólicas, hamacas, arlequines fueron sus temas preferidos. Los objetos parecían flotar en un ambiente inexistente, desolado, trasmitiendo desasosiego e inquietud como claro síntoma de la descomposición del soporte social tradicional de aquella España. Chavarri lo definió como un “remanso del realismo mágico o fantástico” de Franz Roh, como un “suscitador de imágenes capaz de convocar lo irreal, lo imaginable, y de construirse en una avanzada de pensamiento y de
las emociones más allá de los límites de la propia mente”.
Vicente Colom se mantuvo siempre independiente tanto de tendencias de corte realista, de lo cotidiano, como del hiperrealismo importado de Gran Bretaña y Estados Unidos, así como el pop y crítica socio-política tampoco llamaron su atención. Sin duda alguna, el conservar su independencia, ha sido una de las razones por las que Colom siempre ha compaginado su carrera artista con la de decorador y anticuario. Para él la decoración es un collage, un juego de combinación y de combinaciones eclécticas, mientras que el dibujo le conduce a la creación controlada y razonada. Colom dibuja del natural, su medio es la plumilla.
Colom se entusiasma por el detalle, por el acabado del dibujo “porque el realismo le permite especular con el fondo poético de las cosas”. Suele retomar sus temas una y otra vez tras largos descansos, puesto que para él sus series son formas distintas de ver y observar el mismo objeto o secuencia. En sus variaciones los contrastes y claroscuros se observan con mayor grado en la naturaleza y la plumilla permite esa elaboración de valoraciones y degradaciones tonales establecidas por un entramado de líneas y por el trazo continuo y uniforme pero aplicado rítmicamente. Pero sus paisajes no son del todo reales, los elementos que los conforman han sido alienados y aislados a través del detalle. En palabras de Román de la Calle, Colom "...simula y
construye –a partir de imágenes de la realidad más próxima y cotidiana- todo un universo imaginario, en un doble sentido de universo elaborado a partir de imágenes y de universo conformado a través de juegos de la imaginación".

Información extraída integramente del IVAM.

Noriko Ambe

2008-08-10T12:15:00.004+02:00

Noriko Ambe es una artista japonesa con una gran sutileza.

Nicolas Tilly

2008-08-09T10:07:00.004+02:00

Echad un vistazo a las acuarelas de Nicolas Tilly, aunque los demás trabajos tampoco tiene desperdicio.

Minas Unicef

2008-08-02T11:58:00.002+02:00

Esta campaña de Unicef pretende concienciarnos del peligro de las minas antipersona que plagan los suelos de muchos países del tercer mundo, como Angola, Bosnia, Camboya (donde hay más de 10 millones de minas). La campaña consiste en colocar pegatinas camufladas en el suelo, dejando la parte adhesiva hacia arriba, así quedará adherida a la suela al pisarla, al intentar deshacerte de ella podrás leer: “En otros países, estarías ahora mismo mutilado, ayuda a las victimas de minas antipersona". Espero que reflexionemos sobre ello.

Fuente

Masayuki Kido

2008-07-29T18:20:00.003+02:00

Masayuki Kido es un japonés que realiza autenticas virguerías de animación y programación en Flash. Visitad su página web.

Radiohead - House of Cards

2008-07-15T17:22:00.003+02:00

La banda británica Radiohead vuelve a abrir caminos en la industria de la música y su inevitable hermanamiento con el mundo digital e Internet. Si el año pasado colgaron íntegro su último álbum (In Rainbows), ahora, para su single House of cards, han realizado un vídeo sin utilizar cámaras: sólo láser y datos. Estos datos, además, se pueden descargar y usar libremente en una página alojada por Google y bajo una licencia Creative Commons. Este tipo de licencia supone la cesión al público de ciertos derechos de propiedad intelectual bajo determinadas condiciones.
Las tecnologías empleadas en el vídeo permiten capturar imágenes en 3D del mundo real sin emplear lentes. Se trata de un sistema de geometría informática que produce un haz de luz que registra imágenes tridimensionales si se proyecta a poca distancia del objeto. Ha sido empleado para los planos cortos. La banda, además, ha utilizado un sistema denominado Voldyne Lidar que utiliza varios lásers para capturar entornos de mayor tamaño, como paisajes.
En este vídeo los exteriores han sido rodados por 64 lásers en rotación que disparaban en un radio de 360 grados y 900 veces por minuto.

Implicación de Google
La información sobre la elaboración del vídeo está disponible en una página de Google, desde donde además es posible ver el vídeo, manipular los datos con un simulador y descargarse la aplicación informática para realizar una grabación similar. Lo único que en esta ocasión no está libre de derechos es la música.

Información integramente extraída de ELPAÍS.com - Madrid - 15/07/2008

Valla DEMAKERSVAN

2008-07-15T13:13:00.008+02:00

Industrial contra Arte.

Partículas Magnéticas

2008-07-15T13:03:00.003+02:00

¡¡¡ Alucinante!!!

Customiza tus zapatillas

2008-07-15T10:34:00.002+02:00

Candy Shoes- shoe customization

En este vídeo podéis ver cómo customizar vuestras zapatillas.

Sr. Garcia

2008-07-14T17:07:00.003+02:00

Un artista muy peculiar que no te debes perder.

Owen Freeman

2008-07-14T17:02:00.004+02:00

Echad un vistazo al trabajo de este ilustrador, seguro que os gusta.

Crea tu propio Graffiti

2008-07-10T15:06:00.007+02:00

En internet podéis encontrar disitintas aplicaciones como:
- Graffiti Playdo.
- Virtual Graffiti por La canal.
- GraffWritter.
- The Graffiti Creator.
y esta aplicación del Brooklyn Museum podéis crear vuestro propio Graffiti.

Los Borrrachos

2008-07-05T14:18:00.002+02:00

A partir de su establecimiento en la corte en 1623, Velázquez se dedicó sobre todo al retrato, que alternó con incursiones en otros géneros, como la historia sagrada, la mitología y el paisaje. Su primera escena mitológica fue Los borrachos, que pintó hacia 1629 y que marca una frontera en su carrera. Mientras que por su tema inauguró un género que cultivaría hasta su muerte, gran parte de sus personajes pertenecen al mundo de sus “bodegones” sevillanos. Desde un punto de vista estilístico, también está apegado a sus primeras etapas, pues tanto el carácter fuertemente realista de sus rostros como la gama cromática abundante en ocres o la extraordinaria precisión descriptiva sitúan la obra en la órbita del naturalismo caravaggista, al igual que el modelado corporal de Baco. Fue la primera y última obra de tema mitológico en la que utilizó un lenguaje de ese tipo.Aunque a veces en este cuadro se ha visto una voluntad de “desmitificar” la mitología y tratar en clave burlesca a los dioses antiguos, la utilización de personajes tan fuertemente realistas se justifica por el contenido de la escena, en la que se representa a Baco mezclándose entre los mortales para darles a conocer el vino. En el uso de un lenguaje naturalista para abordar temas relacionados con la mitología o la historia antigua Velázquez se aproximaba a otros artistas, como Caravaggio o su contemporáneo Ribera, que vistió de mendigos a filósofos.

Lena Gieseke

2008-06-17T10:07:00.005+02:00

Lena Gieseke ha recreado el Guernica de Picasso en 3D, os recomiendo un paseo por él.

Eno Henze

2008-06-11T11:22:00.002+02:00

Eno Henze es un artista que nos sorprende encada una de sus obras.

Las meninas

2008-06-09T13:52:00.002+02:00

Retrato de la infanta Margarita, hija de Felipe IV (1605-1665), rodeada de su servicio o “familia” en una sala del Alcázar de Madrid.

El cuadro más famoso de Velázquez encierra una compleja composición construida a partir de una admirable habilidad para el uso de la perspectiva, de la plasmación de la luz y de la representación de la atmósfera.

Las interpretaciones sobre el tema y la plasmación del mismo han sido múltiples. Las más numerosas subrayan la reivindicación de la nobleza de la pintura frente a las prácticas artesanales. Velázquez se autorretrata pintando el propio cuadro a la izquierda del lienzo, afirmando así la supremacía del arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-1673), vestida de blanco, aparece rodeada en el centro de la composición por sus damas de compañía, las “meninas” María Agustina de Sarmiento e Isabel de Velasco, dos bufones de la corte, María Bárbola y Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador José Nieto.

Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria (1634-1696), se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar a un juego espacial de extraordinaria complejidad.

Las Hilanderas

2008-06-09T13:29:00.005+02:00

Velázquez realizó esta representación compleja y altamente intelectual del mito clásico de Aracne. Según la fábula narrada por el autor romano Ovidio (Metamorfosis, Libro VI, I), Aracne era una joven lidia (Asia Menor) maestra en el arte de tejer, que retó a Atenea, diosa de la Sabiduría, a superarla en habilidad. Ésta, consciente durante la competición de la supremacía de la mortal y viendo su burla al representar en su tapiz la infidelidad conyugal de su padre Zeus, convirtiéndose en toro y raptando a la ninfa Europa, convirtió a Aracne en araña.

El mito aparece representado en dos planos bajo la apariencia de un día cotidiano en la Fábrica de Tapices de Santa Isabel. Al fondo de la escena el rapto de Europa aparece hilado en el tapiz que cuelga de la pared y, ante él Atenea, vestida con armadura, castiga a Aracne. Las mujeres que observan el suceso, y que podríamos confundir con clientas de la fábrica, serían en realidad las jóvenes lidias testigos del momento. En primer término, las hilanderas representarían el desarrollo del concurso. Atenea, hilando en la rueda y Aracne devanando una madeja.

Esta obra ha sido interpretada por los estudiosos como una alegoría a la nobleza del arte de la pintura y una afirmación de la supremacía del propio Velázquez. La complejidad iconográfica elevaría la creación pictórica a la altura de otras artes mejor consideradas en el siglo XVII, como la poesía o la música, y las referencias a grandes pintores, como Tiziano y Rubens elevarían a Velázquez a la altura de los grandes genios de la Historia del Arte.

Este cuadro fue pintado para don Pedro de Arce, montero Real. Sus dimensiones fueron ampliadas en el alto y en el ancho tras el daño sufrido por la obra en el incendio del Alcázar de Madrid en 1734.

Estuvo en el Palacio del Buen Retiro entre 1734 y 1772, citándose después en los inventarios de 1772 y 1794 del Palacio Real. Ingresó en las colecciones del Museo del Prado en 1819.

Adam Haynes

2008-06-06T10:52:00.004+02:00

Adam Haynes es un pintor-ilustrador que siempre elige un punto de vista muy peculiar.

Effektive

2008-06-04T16:48:00.004+02:00

Creig Anderson es un diseñador gráfico que trabaja con el nombre de Effektive, su diseño es solido, muy limpio y sencillo, ha creado esta maravillosa serie de posters llamada Spirograf 2A. Merece la pena echar un vistazo a todo su portafolio.

Ebmorse

2008-06-02T17:52:00.004+02:00

Mirad la galeria ebmorse en Flickr, lo qu econsige hacer con sus render.

Geln Wexler

2008-05-29T19:49:00.004+02:00

Glen Wexler es uno de los fotógrafos pioneros en el uso del Photoshop, hoy es un maesstro.

Yayoi Kusama

2008-05-29T09:34:00.003+02:00

Yayoi Kusama es un artista cuya obra se fundamenta en redes generadas con puntos y líneas.

A quien corresponda

2008-05-29T09:09:00.005+02:00

Graffiti sencillo con una gran carga en su mensaje.

Idris Khan

2008-05-28T22:36:00.002+02:00

Idris Khan juega en los límites de la abstracción y figuración, si tenéis un rato echadle un vistazo a los trabajos de este artista, merece la pena.

Chema Madoz

2008-05-28T13:40:00.002+02:00

Un buen repaso de la obra del fotógrafo Chema Madoz.

Patrick Conaty

2008-05-27T10:52:00.003+02:00

Por favor, visitad la página de Patrick Conaty, y podréis ver las tripas de una animación 3D, es un genio.

JAWBONE

2008-05-27T10:35:00.004+02:00

Este diseño de la marca JAWBONE utliza la geometría como elemento configurador de textura.

Mitsuru Senda

2008-05-27T10:14:00.007+02:00

Este estadio proyectdo Mitsuru Senda destaca por su techo deslizable inédito y que basa su forma en una magnolia, flor típica de Shanghai. La estructura de su techo está formada por 8 “petalos” y en conjunto tardan 8 minutos en abrir o cerrarse.
Información extraída de Plataforma Arquitectura.

Andrew Groves

2008-05-27T09:54:00.005+02:00

Todas estas criaturas han sido creadas por Andrew Groves. La mayoría de sus trabajos están relizadas basándose en los elementos fundamentales del lenguaje visual, el punto, la línea y planos de color.

Logotipos

2008-05-27T09:48:00.004+02:00

Aquí tenéis una variada selección de Logos.

La geometría también es bella

2008-05-27T09:23:00.005+02:00

En este teléfono de HTC apreciamos el valor de la geometría como elemento estético.

Jorge González

2008-05-24T09:36:00.003+02:00

Jorge González es un ilustrador muy interesante, echadle un vistazo a la génesis de "Fueye", su última novela gráfica.

Antony Gormley

2008-05-22T09:25:00.002+02:00

Antony Gormley es uno de los escultores más interesantes del panorma actual.

Sit

2008-05-21T09:56:00.004+02:00

Sit es un artista peculiar, echadle un vistazo a sus trabajos en su página.

Customiza tus zapatillas

2008-05-20T14:16:00.005+02:00

Atrévete a customizar tus zapatillas, aquí tenéis un ejemplo de endtoendproject, donde artistas del graffiti realizan sus diseños. Si queréis unos consejos visitad esta página.

Xavier Veilhan

2008-05-20T12:55:00.004+02:00

Xavier Veilhan es un escultor cuyos planteamientos varían en cada proyecto, altamente recomendable echarle un vistazo.

Stina Wirsen

2008-05-15T19:35:00.003+02:00

Stina Wirsen es una ilustradora, echad un vistazo a su book , es genial.

Better Living Through Design

2008-05-15T18:51:00.002+02:00

Better Living Through Design esun estudio de diseño con propuestas muy interesantes, no dejéis de visitarlo.

La publicidad, y +

2008-05-15T14:36:00.002+02:00

Bleda y Rosa

2008-05-15T14:02:00.005+02:00

Maria Bleda y José Mª Rosa forman un tándem genial. Su fotografía nos habla de la memoria, esta fotografía titulada "Lugar de Lutos, año 793", pertenece a la serie de Campos de batalla.

Campos de batalla significa un acercamiento a lugares marcados por la Historia, espacios en los que cientos de personas se enfrentaron y murieron de forma violenta por un motivo de conquista territorial o de dominio. Lugares míticos que han construido nuestra historia y que ahora se presentan como apacibles campos de cultivo o yermos pedregales.
Cuando a menudo recorres muchos de los lugares donde han ocurrido cosas de tal hechura, es importante tener en cuenta tus sentimientos. En un momento la satisfacción es lo predominante y , el fuerte viento o la suave brisa, el cálido sol o la fina lluvia hacen que formes parte de ese especial entorno. Quizá lo más maravilloso es cuando la mirada hace una escrupulosa descripción y sientes en tu cuerpo lo que aquellas piedras o este árbol han visto pasar.

Matías Costa

2008-05-15T13:53:00.003+02:00

Matías Costa pertenece al colectivo NOPHOTO. Esta foto suya, pertenece a un trabajo de investigación llamado "Las Puertas de Europa", y cuyo principal objetivo es documentar la entrada masiva de inmigración ilegal en el continente europeo. El proyecto se centra en el modo en que los clandestinos penetran en territorio de la U.E., qué historias hay detrás de su llegada y quienes son los protagonistas de estas historias.

Barver

2008-05-15T13:33:00.003+02:00

Barver es un director en el que merece la pena detenerse a contemplar sus trabajos.

Pacompartir

Echad un vistazo a este vídeo de Miguel Endara

Dominique Falla, tipografía táctil

La Gráfica del 15-M

Amalia Pica

Entrevista a Antonio López

Una pajarita muy pacífica

Alicia en el Páis de las Maravillas por Atomic Antelope

Entrevista a Anish Kapoor en el diario "Público"

"La oscuridad del rojo me intriga"

El Guggenheim de Bilbao dedica una retrospectiva al artista indio, uno de los escultores más influyentes en la actualidad

Balas de cera

Pigmentos que buscan

No falta trabajo

La publicidad como medio para hacernos reflexionar sobre la realidad

El IVAM dispone de un nuevo servicio de catálogos online

Norman Rockwell

Una obra maestra del estudio Prologue

Kyle McDonald

Paolo Lim

Amador Delgado

La tecnología de un software reinventa el Reina Sofía

Greguerias ilustradas por el fotógrafo Chema Madoz

La geometriá oculta en las letras

Gaia 09, un proyecto comunitario para aumentar la sensibilización sobre el cambio climático

Manuel Franquelo

Tipografía + Geometría =

Un mundo de papel

Geometía y Belleza

GabrielMoreno

Hypnoctic

David Löhr

Ron van der Ende

Parque temático de la confusión Las propuestas más interesantes y los notables esperpentos de la Bienal de Venecia

Gerhard Richter, entre la pintura y la fotografía

La magia de la imaginación

Entrevista a Miquel Barceló por Ana Tagarro

Rchard Serra

Junior Jacquet

Herramienta para aprender el Diédrico

La belleza de lo cercano

Bansky

Con papel y paciencia...

Pierre Gonnord

Takashi Okada

ENTREVISTA: ANISH KAPOOR Escultor "Ando en busca del no-objeto"

Inaugurada la cúpula de Miquel Barceló en la sede de la ONU en Ginebra

A. Gilmore

Antonio López

Levi van Veluw

Byroglyphics

Jan Hendrix

El Aula 28, una obra de arte

Michael Kenna

El Caballero Oscuro (The Dark Knight) - Trailer español

Spot Audi RS6, Gymnasts, Gymnastics UK

3D Real Life Optical Illusions

Iwamoto Scott Architecture: Voussoir Cloud

Mia Pearlman

Cara Barer

Cómo pintar sin miedo

Somos predeciblemente irracionales

Redes 2.0 - Somos predeciblemente irracionales. La 2. 11/08/2008

Delta Inc

Due3

Vicente Colom

Noriko Ambe

Nicolas Tilly

Minas Unicef

Masayuki Kido

Radiohead - House of Cards

Valla DEMAKERSVAN

Partículas Magnéticas

Customiza tus zapatillas

Sr. Garcia

Owen Freeman

Crea tu propio Graffiti

Los Borrrachos

Lena Gieseke

Eno Henze